Portrait

Adaya Godlevsky

Née à Jérusalem, en 1974.
En tant qu'artiste interdisciplinaire, Adaya utilise la harpe comme motif principal dans plusieurs activités artistiques telles que la composition de musique, la performance, la mise en scène, le chant et la création de collaborations artistiques avec des artistes de différents domaines.
Elle a une formation diversifiée :
Adaya suit les cours du studio "Nisan Native" pour le théâtre et la performance, l'école de musique "Rimon" et diverses classes de composition, notamment avec le professeur Oded Zehavi, Arik Shapira.
Les capacités musicales d'Adaya vont de la musique classique à l'expérimentation et à l'improvisation, en composant de la poésie, en jouant et en chantant.
Adaya a créé et joué lors de festivals et d'événements dans des théâtres, des centres de musique, des clubs de musique, des musées et de nombreuses galeries d'art à travers le monde.

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Interview

Hélène Breschand: Je suis très intéressée par votre installation sculpturale faite de fils ! Pouvez-vous me dire comment vous arrivez dans le monde de l'installation sculpturale ?

Adaya Godlevsky: L'installation-performance «A Lead» a été créée en 2018, dans le cadre du Musrara Mix Festival, Jérusalem. Dans «A Lead», j'invite le public à percevoir le concept du Musrara Mix Festival, Uncertainty, comme une opportunité plutôt qu'un concept qui suscite la peur. Je suis attachée à la liberté d'expression et la pluralité du public. Les visiteurs sont invités à écrire ou à peindre sur papier tout sens, sentiment ou pensée qu'ils ressentent dans l'espace de la galerie.
Dans cet espace, j'ai créé une grande forêt de fils qui s’étend entre les murs du bâtiment. Cela permet une pénétration dans l'œuvre, une opportunité de réfléchir, de regarder et d'imaginer à travers les jeux d'ombre et de lumière, les patchs et les lignes, et l'illusion du volume.
Le public est invité à me donner ses textes et dessins et j’improvise une interprétation musicale de la réaction du visiteur à l’aide de la harpe, de la voix et de l’électronique.
Avec «A Lead», mon souhait est de répondre à une réalité qui n'accepte pas «l'autre». Qu'il s'agisse d'un réfugié demandeur d'asile, de l'utilisation répétée du concept de «peuple élu» ou d'une tentative de censurer et de réduire au silence tout facteur susceptible de susciter des questions et d'affaiblir la certitude absolue.
L'œuvre «A Lead» a été présentée dans différentes variantes lors de l'événement Loving Art Making Art à Tel Aviv, 2019, et dans le cadre du groupe Heara 13 du groupe Sala-Manca en avril 2020.

>>> Photos et vidéos de «A Lead» <<<

HB: Que souhaitez-vous transmettre au public, à travers ces installations?

AG: En tant qu'artiste, je veux donner quelque chose au public, qu'il lui arrive quelque chose, qu'il fasse une expérience, émerge avec des pensées et des questions dans le sillage de mon travail.
Dans «A Lead», le public est une partie essentielle de l'œuvre; sans eux, la musique ne joue pas; c’est une sorte de chaîne d’inspirations: l’installation fil et harpe invite le public à y réagir, il réagit et crée dans le texte et le dessin, puis me donne matière et inspiration pour mon improvisation. L'installation filaire prend vie et acquiert des significations supplémentaires lorsqu'il y a un public actif; il y a un mouvement réciproque qui est crucial pour l'existence de l’œuvre.

HB: Pouvez-vous expliquer votre configuration avec l'électronique? c'est toujours la même chose? Que recherchez-vous avec l'électronique que la harpe acoustique ne vous apporte pas?

AG: L'électronique que je connecte à la harpe est un appareil multi-effets conçu pour la guitare, et je l'étudie et l'adapte aux sons de la harpe. Pour le moment, je me concentre sur le jeu de ces appareils électroniques, et à l’avenir, j’aimerais étendre mes outils électroniques avec la harpe et le chant.
C’est intéressant, car la contrainte a donné lieu à de nombreuses nouvelles possibilités. Parce que je ne joue que de la harpe à leviers, mes possibilités chromatiques avec la harpe sont parfois restreintes et l'électronique ouvre un nouveau domaine.
Je pense que j'ai aussi commencé à chanter à cause de cette limitation; Je voulais plus de possibilités sonores et la voix et le chant sont sortis naturellement en dialogue avec la harpe. Peut-être que dans le futur je reviendrai à la harpe à pédales, mais pour le moment il semble encore y avoir beaucoup d’exploration et de découverte et la «contrainte» se transforme en de nombreux avantages.
Un autre avantage est la taille de la harpe à leviers, qui me permet de bouger physiquement avec la harpe, dans mes oeuvres de scène.
Je ne suis pas non plus pressée de jouer de la harpe électrique, car la caisse de résonance en bois est cruciale pour moi, également en raison de sa structure et de son matériau, qui invite à des techniques de jeu et à des sons intéressants, tels que taper ou chanter et vocaliser.

HB: Il y a dans votre travail, deux chemins singuliers et rares : les installations artistiques et le théâtre musical. Pouvez-vous parler de ces deux volets de votre travail, que recherchez-vous dans chacun d’eux ? comment sont-ils liés les uns aux autres ?

AG: J'aime me définir comme interdisciplinaire; il est vrai que mes activités artistiques sont multidisciplinaires: théâtre, performance et musique, mais ce qui m'intéresse et me motive, c’est le lien et la combinaison entre eux. J'aime aussi créer et jouer dans chaque discipline séparément, composer, improviser, chanter, jouer, jouer ou faire une performance sans musique. Mais l'exploration qui m’anime et qui m'est naturelle passe par les combinaisons entre les disciplines. Et c'est certainement un grand cadeau de pouvoir évoluer entre les différents champs artistiques, entre «le visuel» et «l'audible» et dans le dialogue entre eux.
En repensant à mes années d'activité artistique, maintenant, en 2021, je pense qu'en tant qu'artiste créatif je m'éloigne du théâtre «figuratif» et me rapproche et me connecte davantage au monde de la performance, qui pour moi est un monde plus abstrait, plus proche de la musique.
Chaque performance questionne la place du public, et l’action : comme jouer, ou bouger, parler et écouter - écouter étant également une entreprise active. La question est de savoir ce que je veux dire et donner au public et comment je peux le faire, sous la forme et de la manière qui me conviennent le mieux.

Par exemple, en 2010, j'ai réalisé une œuvre scénique basée sur le mythe d'Orphée et d'Eurydice. L'œuvre évolue entre le théâtre et la performance, un monologue d'Eurydice qui décide de fuir seule la pègre et de ne pas dépendre du regard ou du non-regard d’Orphée ; et cette fois c'est elle qui joue de la harpe !
Le monologue a été composé sur la base de Sonnets to Orpheus de Rainer Maria Rilke et de Letters to Orpheus d'Anat Sharon-Blais.

Et dans mon dernier travail de scène «Femmes, frontière devant toi» de 2018, il n'y avait pas de texte, seulement de la harpe, de l'électronique, du mouvement et de la voix. Le spectacle examine, entre autres, ma relation avec la harpe.

>>> + d'info, images et son sur "Woman, border in front of you !" <<<

Les deux œuvres présentent un contenu et une voix féminines, une scène, un mouvement, un chant et la harpe. Il existe des combinaisons entre les différentes disciplines. Cependant, quelque chose s'est produit au fil des ans, quelque chose travaille en moi et évolue.

HB: Enseignez-vous ? Transmettez-vous la musique que vous créez et toutes ces nouvelles façons de jouer?

AG: J'enseigne principalement la musique dans des contextes éducatifs pour des enfants surdoués et exceptionnels. Je ne leur apprends pas à jouer de la harpe; ce sont des cours de musique qui combinent interdisciplinarité et créativité, de sorte que l'éventail des matières que j'enseigne est diversifié et comprend les ondes sonores, les éléments musicaux, la musique et l'inspiration, le lien entre la couleur et la musique, la notation graphique, l'improvisation et la musique et l'environnement.
Parfois j'apporte la harpe dans les cours, et cela m'aide à rendre accessibles aux enfants différents sujets musicaux, comme la structure et les sons possibles des instruments à cordes. Parfois, les enfants m'écrivent de la notation graphique et j'interprète leurs pièces, donc ils font l'expérience de la composition et de la partition.
J'enseigne aux enfants un contenu qui vient de mon propre parcours artistique et je suis heureuse d'avoir l'opportunité de rencontrer et d'enseigner aux enfants sur la base de ce en quoi je crois, comme le pluralisme, la pensée créative, la créativité et l'expression personnelle.

Ces jours-ci, à cause du coronavirus, je rencontre les enfants pour les cours Zoom, et cette contrainte, avec toute la difficulté, comporte aussi quelques avantages - les enfants créent et partagent à partir de leur environnement domestique et familial, qui s'est transformé en un environnement instructif, et joyeux terrain de jeu musical.
Ma place d'artiste et d'enseignant me permet d'être en dialogue avec le monde, de créer un mouvement réciproque de donner et de recevoir avec mon public et mes élèves, un mouvement vital de respiration, de développement et de croissance.
La harpe joue un rôle central dans ce mouvement et ce flux, et je l’en remercie.

HB: Jouez-vous la musique d'autres compositeurs ? Qu'est-ce qui vous motive à choisir de jouer une musique ou un compositeur ?

AG: La plupart du temps, je joue ma musique et mes compositions, parfois je joue du répertoire classique et récemment, je joue de la musique d'autres compositeurs expérimentaux.
Parfois, cela peut être une invitation du compositeur, dans le cadre d'un événement \ concert spécifique, comme une pièce d'Amnon Wolman «No Trucks Allowed» que j'ai jouée avec l'ensemble Musica Nova en décembre dernier, ou une rencontre spéciale avec le compositeur, comme ce qui s'est passé avec les pièces de Rhodri Davis.

J'ai rencontré Rhodri pour la première fois, au Tectonics Festival, à Tel Aviv, 2012, et j'ai été immédiatement inspirée, en 2018 j'ai voyagé pour le rencontrer à Swansea, Rhodri était si généreux avec son inspiration et ses connaissances et m'a donné deux de ses partitions graphiques. Après cette rencontre j'ai composé une nouvelle pièce pour lui, une partition graphique Cold LIGHTHOUSE, que Rhodri a interprété à Londres et à Cardiff.
J'ai enregistré une de ses partitions graphiques "aqua alta" (2012), et avec une autre partition "lle y bwriaf angor" (1997) j'ai joué aux "Crater Players" un événement musical au magnifique désert de Mactesh Ramon, 2019

HB: Comment composez-vous vos partitions graphiques ? qu'est-il important pour vous de transmettre dans vos partitions (où il n'y a pas de notes de musique) ? Ecrivez-vous pour des interprètes spécifiques? répondez-vous à une demande ? ou écrivez-vous principalement pour vous-même, dans le flux de votre inspiration ?

AG: Je compose ma partition graphique de différentes manières, elle dépend de ce sur quoi je vais baser la partition - formes, couleurs, lignes, histoire, titre, texte, mots et événement .. ma dernière partition graphique est basée sur le collage et le texte.

>> Voir la partition pdf de "Not to see eyes" <<<

Lorsque je compose une partition graphique pour d'autres joueurs, c'est un guide d'improvisation, je les invite à faire partie de la pièce pour apporter leur imagination et leur interprétation. Je veux proposer au joueur de l'inspiration et des questions.

Habituellement, j'écris pour des artistes spécifiques. Même quand j'écris une partition graphique pour le public (comme à YOUR EYE HEAR) et que je ne sais pas qui sont les gens qui viendront, ce sont quand même des interprètes spécifiques, car j'utilise des images et des textes qui peuvent être utilisés comme base d’inspiration et de jeu pour chaque personne , qu’ils soient musiciens ou non, à un moment et à un endroit précis.

Parfois je réponds à une demande et parfois je compose pour jouer moi-même... oui, je laisse couler mon inspiration.

Photo: Lilach Raz