Concours Collegium21 et master-classes

Le concours Collegium21 prend le relais du concours Des Lyres et des Arts. Notre association Les Signes de l’arc est partenaire de ce concours de harpe, initié par Ghislaine Petit-Volta. Il aura lieu le 14 avril 2019 au CRR de Paris.

Ouvert à tous les niveaux, le programme comporte une œuvre imposée et une œuvre au choix du candidat. Concernant l’œuvre au choix, toutes les propositions musicales, quel que soit le style, sans a priori, sont les bienvenues.
Les œuvres imposées sont des pièces de compositeurs que les candidats seront invités à rencontrer lors de master-classes proposées en amont du concours, les 23 et 24 mars 2019. Pour participer aux master-classes, veuillez nous contacter pour vous inscrire, au plus tard le 9 mars (envoyer un mail à lessignesdelarc@gmail.com).

Pour cette édition 2019, 5 commandes ont été passées aux compositeurs suivants (avec le soutien des harpes Camac): Sylvain Kassap, Fabien Cali, Gilles Schuehmacher, Karl Naegelen, Arnaud Petit.

Voir le programme : Programme
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Extrait de Sphinx 1087 de Fabien Cali

Edition de "Guide To The Contemporary Harp"

Le livre "La harpe aux XXe et XXIe siècles", écrit par Mathilde Aubat-Andrieu, Laurence Bancaud, Aurélie Barbé et Hélène Breschand, publié en 2013 aux éditions Minerve sera cette année édité aux Etats Unis dans sa version anglaise !

Lilian et Jean Rossi ont assuré la traduction, Félicité De Lalande a permis la communication avec les éditions Indiana University Press.

Après de longs mois de travail pour cette version anglaise, le livre sortira en avril 2019. Il est déjà en précommande sur Amazon !
Lien Amazon

Nous fêterons sa publication lors de Harpes au présent à Limoges (11 mai), et lors d'une journée à l'Espace Camac (19 mai).

La harpe celtique préparée

Nous vous présentons ce site sur l'univers de la harpe celtique préparée, de C. de Trogoff, harpiste aventurière du son et explorant les objets sonores, jusqu'à proposer une écriture nouvelle.

"Plus qu'une mise à plat de techniques possibles, j'ai préféré créer une sorte de poème générateur de poèmes sonores ; avec un petit côté décalé dans le parti-pris de partir de l'objet, puis du geste pour arriver à la production sonore... et cela jusqu’à l'absurde des "objets pas très convainquant" ou des "objets sans rapport apparent avec la question" qui nous rappellent que tout est musique dans notre environnement ou qu' en tout cas ce qui se passe autour de nous influence notre son, surtout à la harpe qui a cette résonance et cette prise directe au vent, hommage à John Cage. Une sorte de codex est venu accompagner ce répertoire de sons, comme un habillage visuel à s'approprier"
C. de Trogoff

Lien vers son site : Touchers de la harpe

Fabien Cali

> Découvrir sa biographie (pdf)
> Ecouter quelques unes de ses oeuvres sur sa chaine YouTube

Fabien Cali a composé Sphynx 1087 pour le concours Collegium21 de 2019, pièce imposée du niveau 2ème cycle 1ère année.

LSDA: Tu parles de l’improvisation comme déclencheur de la composition, dans une interview. A travers ce regard qui englobe écriture et improvisation, comment développes-tu ton écriture, le choix du code, de la forme, des contraintes ?

FC: Dans un premier temps, j’essaie toujours d’avoir une vision de la forme la plus claire possible. C’est un travail à chaque fois différent en fonction des pièces et plus ou moins abstrait pour ce qui est du contenu musical. Mais ça a l’avantage d’être un cadre structurant et sécurisant. Ensuite, pour donner vie à ces idées formelles, viennent la spontanéité, l’improvisation, le ressenti et l’énergie que je veux transmettre par la musique. Souvent les choses sont amenées à changer à cette étape parce que je privilégie le sensible à des systèmes ou des concepts intellectuels pensés en amont.
Et puis vient enfin le moment d’organiser tous ces éléments de manière précise et structurée. C’est à cette étape que les mots « travail » et « composition » prennent tout leur sens, pour le meilleur et pour le pire !

Concernant Sphinx 1087 , la référence à Bach est explicite mais la réalisation des énigmes contenues dans la pièce est très libre. Les codes sont ceux utilisés depuis des siècles dans ce type de pièce (clés et sens de lecture, miroirs, canons, etc…) mélangés à des techniques d’écriture aléatoire. Tout cet aspect de réalisation technique est arrivé assez tard dans l’écriture, l’idée de départ étant d’intégrer la création au travail de l’interprète de manière rassurante sous forme de jeu. Il n’y a pas à proprement parler de bonnes solutions comme par exemple chez Bach ou chez Josquin des Prés, chacun doit trouver sa voie et créer sa solution, c’est finalement presque de l’ordre de la maïeutique.

LSDA: Pourquoi la question de l'oeuvre ouverte , l'angoisse de tout écrire ou non, se pose si fortement dans la musique contemporaine ? (alors que finalement c’est une question qu’on ne se pose pas lorsqu'on écoute Supertramp, Pinkfloyd, Ange... On écoute sans chercher à connaitre la part d'improvisation et d'écriture... alors que Stockhausen est passé par là avec ses poèmes musicaux, et Tierkreis)

FC: J’ai l’impression que c’était une question très importante dans les années 60/70 et que quasiment tout, de manière plus ou moins variée, a été envisagé depuis. Aujourd’hui, les genres et styles musicaux sont devenus vraiment perméables et on semble être davantage dans l’époque du mélange, de la synthèse, de la cohabitation des esthétiques et des techniques que dans celle du questionnement autour d’un principe de composition. La question de l’œuvre ouverte est passionnante mais ce qui compte avant tout pour moi dans la réalisation d’une pièce, c’est le résultat final d’un point de vue sensible plus que la pertinence ou non des moyens employés. Il me semble que les techniques liées à l’œuvre ouverte (l’aléatoire, la forme mobile, etc…) sont devenues aujourd’hui des outils de création parmi d’autres pour le compositeur.

LSDA: Ayant toi même l'habitude, la connaissance de la scène, écris-tu (pour les pièces solistes notamment) en pensant au contexte, à la théâtralisation dans lesquels seront jouées tes pièces ? as-tu des attentes particulières ?

FC: Ce n’est pas systématique mais le contexte est parfois un élément très structurant. La manière d’envisager une pièce peut être très différente si on tient compte de son intégration au sein d’un programme prédéfini ou encore du lieu du concert. Mais de manière générale, c’est toujours intéressant quand c’est l’interprète qui au départ me fait des propositions ou me donne un cadre, même abstrait. Ensuite on en discute et on construit ensemble autour de tout ça. Par exemple, je n’ai pas envie d’écrire une pièce théâtralisée pour des musiciens mal à l’aise avec ce principe. L’idée étant d’avoir envie de mener à bien et en confiance un projet motivant pour tout le monde. L’activité de composition étant par nature solitaire, ces moments de discussions et d’échanges avec les interprètes sont quelque chose d’indispensable à la création d’un équilibre dans mon travail.

Passionnés par la création, l’articulation entre écriture et improvisation, les 3 musiciens créent un répertoire de compositions collectives autour de la musique Française du début du XXe siècle. Leur musique se métisse de compositions à l’esthétique free, jazz, aux tonalités chatoyantes de la musique française du début du XXe siècle. Ce trio de jazz de chambre rend hommage à la musique moderne : Ikui Doki, une recherche de paysages extatiques parmi les trames harmoniques raffinées dans lesquelles tout devient son.

Dans une interprétation audacieuse sans précédent, les artistes convoquent les monstres sacrés de la musique française, faisant voler en éclats les cadres habituels de ce répertoire. Improbable, pensez-vous ? Pas avec Ikui Doki !

En 2018 Ikui Doki est lauréat Jazz Migration#3 dispositif de soutien aux musiciens de jazz porté par AJC (Association JazzéCroisé).

EN 2019 IKUI DOKI travaille sur une nouvelle création "SUZANNE UN JOUR / IKUI DOKI meets Sofia Jernberg" dont la première sera donnée en Novembre 2019.

>> Ecoute et achat de l'album sur Bandcamp

Photo © Olivier Hoffshir

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